Las técnicas en la práctica artística han sido muy diversas a lo largo de la historia: ceras, acuarelas, gouache, acrílico, temple, pastel, tinta, fresco, grisalla y técnicas mixtas. Dependiendo de que material pictórico se utilice, los colores, las superficies, los contornos e incluso las sensaciones que una obra nos produce varía, por lo que los artistas siempre han escogido aquella que se adaptaba mejor a sus necesidades.

La pintura al óleo, técnica predilecta por los artistas

A lo largo de la historia ha habido una técnica predilecta por los artistas: el óleo. Si bien en la Edad Media era una técnica ya conocida, su empleo solía estar relegado a un segundo plano por el predomino del uso de la pintura al temple o al fresco.

Así pues, no fue Van Eyck el inventor de esta técnica, como tradicionalmente se ha considerado, si no que él, junto con otros pintores flamencos, realizaron un conjunto de investigaciones y muchos ensayos que permitieron mejorar la pintura al óleo y generalizar su uso a finales del siglo XV. A partir de entonces serían muchos los artistas que ampliaron las posibilidades técnicas de este tipo de pintura y la perfeccionaron.

La importancia de los avances de la química

Cabe destacar la importancia que tuvieron los avances de la química realizados en el siglo XIX, y que supuso la producción y comercialización de botes de pintura tubos de pintura al óleo plegables. Esto permitió que los artistas saliesen de sus talleres y trasladasen sus caballetes al exterior, desarrollando la pintura au plein air, es decir, al aire libre, bajo unos constantes cambios de luz y en unas condiciones completamente diferentes a las que se daban en el estudio.

Fue entonces cuando surgió un movimiento tan importante como el impresionismo, que protagonizó la renovación pictórica de la segunda mitad del siglo XIX, dando paso al arte moderno, fomentando el debate sobre la creación artística y estableciendo el mercado artístico entre los coleccionistas privados de arte online en España y el resto del mundo.

De esta manera, hasta la aparición de la pintura acrílica a lo largo de la segunda mitad del siglo XX, el óleo fue la técnica más utilizada por los artistas, ya que se trata de un procedimiento más flexible: no muestra grandes cambios de color durante el secado, y permite superponer capas y realizar correcciones gracias a su secado lento. Gracias a las fotografías con rayos X podemos conocer muchos de los cambios que los artistas introdujeron en sus composiciones a lo largo del proceso de realización de la obra.

Soportes para las pinturas

El soporte es la base donde se aplican las capas de pintura, y tradicionalmente se ha considerado que los hay de dos tipos: los fijos y portátiles.

El principal soporte fijo es el muro, mientras que para los móviles hay más opciones donde elegir: madera, papel, lienzo, cobre, porcelana, vitela, etc. Ahora bien, independientemente del soporte escogido, este necesitará una conveniente preparación, que irá determinada por la técnica elegida.

Cabe destacar que esta clasificación no es del todo precisa ya que, por ejemplo, la pintura mural puede haber sido realizada sobre tela, para ser posteriormente colocada en las paredes. Otro problema derivado de esta división es considerar que la única técnica utilizada en la pintura mural es el fresco, cuando en realidad la gran mayoría de los procedimientos pictóricos son aptos para pintar sobre muro.

El primer soporte utilizado fueron los muros de las cuevas prehistóricas y de los acantilados rocosos, con las pinturas rupestres, soporte que miles de años después se continuó utilizando, pero ya en espacios construidos por el hombre, teniendo una importante relación con la arquitectura y con su consideración visual.

El segundo soporte sobre el que se aplicó pintura desde la antigüedad, fue la madera, la cual ha sido uno de los soportes más utilizados por los artistas, dilatándose su uso hasta el siglo XVIII.

El lienzo, el soporte pictórico por excelencia

Ahora bien, el soporte pictórico por excelencia ha sido el lienzo. Utilizado ya en la antigüedad, aunque se conservan pocos ejemplares de lienzos anteriores al siglo XIV, su uso se generalizó de forma sistemática a partir del siglo XV. Esto se debió a que, en comparación a los dos soportes más utilizados hasta entonces, el muro y la tabla, el lienzo es más resistente al frío y a la humedad, permite ser transportado fácilmente al ser más ligero, el artista puede decidir su tamaño y es más fácil preparar su soporte. Esto, obviamente, favoreció a la comercialización del arte y al desarrollo del coleccionismo, así como las subastas de pintura online, tan extendidas a día de hoy.

El lienzo se fijaba y tensaba sobre un soporte sólido, el bastidor, hecho de madera, habitualmente reforzado en el centro por dos montantes.

Mención especial merece la pintura sobre cobre. La aplicación del óleo sobre este metal se remonta a mediados del siglo XV y fue especialmente utilizada por los artistas flamencos. Su uso se popularizó en el siglo XVI por diferentes motivos: un mayor interés por las piezas manejables con las que adornar las casas de promotores y coleccionistas; una mejora en las técnicas de explotación minera y la invención del molino, que permitió la producción de delgadas láminas de cobre; y por el reducido precio que estas láminas tenían.

Los diferentes géneros pictóricos y su relevancia

Los géneros pictóricos hacen referencia a la clasificación de la pintura figurativa según su contenido temático. Así pues, existe la pintura histórica (con temas religiosos, mitológicos e alegóricos), el retrato, la pintura de género, el paisaje y la naturaleza muerta.

La historiografía del arte tradicional jerarquizó estos géneros y los agrupó según el valor que consideraba que tenían, de manera que existían los géneros mayores (pintura histórica) y géneros menores (naturaleza muerta, retratos y paisajes).

Las academias europeas, instituciones principales de la formación de los artistas, tuvieron un importante papel en la difusión de esta consideración al mantener estrictamente este orden.

Ahora bien, esta jerarquía sólo tenía sentido para la Academia, acabando entrando en el olvido, en parte gracias a diferentes movimientos, como el realismo o el impresionismo, cuyas pinturas carecían de alusiones o significado histórico, así como del arte abstracto, surgido a principios del siglo XX, el cual suprimía todo tipo de figuración por parte de este, este tipo de clasificaciones

Nuevos caminos en la pintura

De la misma manera que sucede con disciplinas artísticas como la escultura o el dibujo, a partir del siglo XIX la pintura protagoniza una dinámica de cambios, resultado de las inquietudes e intereses de los artistas, que tuvieron su plasmación en la experimentación con las técnicas pictóricas, los soportes y de géneros artísticos.

Con las primeras vanguardias surgieron las técnicas mixtas, con la combinación de diferentes técnicas en una obra; el collage, que consisten en el ensamblaje de diversos elementos, tanto materias pictóricas como elementos fotografías, recortes de prensa, piel, objetos de uso cotidiano, etc.; el dripping, basado en el goteo y las salpicaduras de pintura sobre la superficie; el grattege, realizando incisiones y desgarrones en la capa pictórica; y el frottage, que consiste en frotar un lápiz sobre una hoja colocada sobre un objeto.

Estas experimentaciones continuaron a lo largo de la segunda mitad del siglo XX, con los pintores del expresionismo abstracto, como Pollock o Helen Frankenthaler prescindieron del bastidor, extendiendo las telas en el suelo o fijándolas en las paredes, y trabajando directamente sobre el lienzo, sin ningún tipo de preparación.

Desde entonces hasta la actualidad los artistas han ido utilizando este tipo de técnicas, decantándose por aquellas que mejor se adaptaban a sus necesidades, o continuando innovando con los materiales, como Louise Bourgeois, Tàpies y Miquel Barceló.